[ 미술사 읽기 ] 인상주의 ( Impressionism )

인상주의

미술에 빠진 이라면 시작은 단연 인상파부터였을 이들이 많을 텐데요. Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Edgar Degas, Paul Cézanne 등 영화나 책, 음악의 뮤즈로서도 많이 다뤄진 이들.

개인이 세상이 중심에 서고, 천재적인 재능과 개성을 지닌 이들에 열광하기 시작한 아방가르드 근대 미술은 위에 언급한 인상파 화가로부터 시작되었습니다.
처음에는 그림에서, 나중에는 음악에서, 주로 19세기 후반과 20세기 초에 프랑스에서 발전했습니다.
인상주의 그림은 접근 방식과 기술을 공유한 예술가 그룹이 1867년에서 1886년 사이에 제작한 일련의 작품을 전시하면서 탄생했습니다. 이들은 종전의 문학적이거나 신화적 주제를 묘사하는 사조에 만족하지 못했습니다. 또한 살롱 중심의 아카데미 그림의 전통적인 표현 방식, 이상화하는 표현 기법을 거부했습니다.
1874년에 이들은 작품 대부분을 일관되게 거부했던 프랑스 아카데미의 공식 살롱과 독립적으로 첫 번째 전시를 개최합니다. 이 전시를 보고 이들을 조롱하는 뜻으로 "인상주의자"(모네의 그림 인상: 일출(1872)에서 따옴)라고 쓴 기사에서 인상주의가 탄생합니다.
예술가들은 곧 시각적 "인상"을 정확하게 전달하려는 의도를 설명하는 이름으로 그 이름을 채택하고 1886년까지 7번의 전시를 이어갑니다.
그 기간 동안 자신만의 개인적인 스타일을 계속 발전 시 키는데요. 하나의 운동이었지만 공통된 방식보다는 기술의 자유, 개인적인 접근과 표현에 집중하는 등 근대의 개인이 등장하게 되는 시기입니다.
1860년대 후반 마네의 예술은 인상주의 작품의 지도력이 될 새로운 미학을 반영하여 전통적인 주제의 중요성이 격하하고 예술가의 색상, 색조 및 질감의 조작으로 관심을 돌립니다. 마네의 그림에서 피사체는 평평한 색의 영역의 교묘한 구성을 위한 수단이 되었고, 관객이 그것이 만든 환상적인 3차원 공간보다는 그림의 표면 패턴과 관계를 볼 수 있도록 관점 깊이가 최소화된 평면을 보게 됩니다. 아울러 Monet는 고도로 채색되고 질감이 다양한 페인트 적용 방법을 통해 바다와 하늘의 덧없는 효과를 혁신적으로 표현합니다.
인상파들은 스튜디오에서 스케치로 그림을 그리는 전통적 방식 대신, 외광에서 실제 장면을 보면서 그림을 그리기 시작합니다. 인상주의 그림에서 가장 눈에 띄는 특징은 빛과 색의 일시적인 효과로서 시각적 현실을 정확하고 객관적으로 기록하려는 시도입니다. 1860년대 후반 모네, 피사로, 르누아르 등은 주어진 시간에 자연광에서의 물체의 색과 형태를 기록하기 위해 한 장면을 다른 시간대에 그리는 연작물을 그리기 시작합니다. 이 예술가들은 녹색, 갈색, 회색의 전통적인 풍경 팔레트를 버리고 가볍고, 더 밝고, 더 화려한 색채를 채택합니다. 그들은 햇빛의 다양한 효과에 심취하여 잔물결의 반사된 색과 빛의 반영과 그림자 등 다양한 효과를 재현하려고 노력했습니다. 망막에 인식된 즉각적인 시각적 인상을 재현하려는 노력에서, 그림자에서 회색과 검은색의 사용을 자제하고 보완적인 색상을 사용하지요. 나아가 순수한 조화를 이루거나 대조하는 색의 반점으로 물체를 표현하는 법을 배우면서 형태는 명확한 윤곽을 잃고 실제 외광에서 반짝이고 진동하게 됩니다.  전통적인 주제는 포기하고 더 캐주얼하고 덜 작위적인 작화를 위해 풍경, 나무, 집, 심지어 도시 거리 풍경과 기차역, 공연 등을 그리며 기법과 주제를 확장시킵니다.

1880년대 중반까지 인상파 그룹은 각 화가가 점점 더 자신의 미적 관심과 원칙을 추구하면서 해산하기 시작합니다. 그러나 짧은 순간이었지만 예술사의 획을 긋는 혁명을 이루었습니다. 이후의 모든 서양화를 전통적인 기술과 주제에 대한 접근 방식에서 해방시키며 아방가르드 예술의 시작에 초석을 다집니다.